martes, 30 de agosto de 2016
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Gene Wilder nos ha dejado

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El actor Gene Wilder ha fallecido a la edad de 83 años, según un comunicado de prensa.

Adiós a una de las figuras más representativas de la comedia estadounidense en determinada época, y uno de los actores más queridos por el público. Dentro de la historia del cine hay un lugar indiscutible para una película como 'El jovencito Frankenstein' ('Young Frankenstein', Mel Brooks, 1974).

Los comienzos de Wilder fueron teatrales, y su debut en el cine fue muy lejos de la comedia, en la estupenda 'Bonnie & Clyde' (íd., Arthur Penn, 1967), a la que siguieron films como 'Los productores' ('The Producers', Mel Brooks, 1970), 'Empiecen la revolución sin mí' ('Start the Revolution Without Me', Bud Yorkin, 1970), o la enormemente popular 'Un mundo de fantasía' ('Willy Wonka & the Chocolate Factory', Mel Stuart, 1971).

Además de sus colaboraciones con Mel Brooks, Wilder también tuvo otra pareja artística, esta vez frente a la cámara, Richard Pryor. Con él tuvo enormes éxitos taquilleros como 'El expreso de Chicago' ('Silver Streak', Arthur Hiller, 1976), 'Locos de remate' ('Stir Crazy', Sidney Pitier, 1980) o 'No me chilles, que no te veo' ('See No Evil, Hear No Evil', Arthur Hiller, 1989).

Wilder también dirigió. Debutó tras las cámaras haciendo una parodia de la creación más famosa de Arthur Conan Doyle en 'El hermano más listo de Sherlock Holmes' ('The Adventure of Sherlock Holmes' Smarter Brother', 1975) al lado de su buen amigo, y compañero en muchos films, Marty Feldman. El mayor éxito de Wilder tras las cámaras fue probablemente 'La mujer de rojo' ('The Woman in Red, 1984), éxito al que ayudó el tema musical de la película, interpretado por Stevie Wonder, y que ganó un Oscar.

En 1999 se retira del mundo de la interpretación —apareció únicamente en un par de series de televisión de forma esporádica— para dedicarse a actividades humanitarias el resto de su vida.

Creo que cualquier cinéfilo tiene entre sus "momentos inolvidabes" el haberse hartado de reir alguna vez con Gene Wilder.



Ben Affleck presenta a Deathstroke, el villano de su película sobre Batman

Batman contra Deathstroke

Ben Affleck ha alegrado el día a los fans del cine de superhéroes. Marvel nos sorprendía ayer con un divertidísimo sketch protagonizado por Thor y hoy es la estrella de Warner quien ha compartido en las redes sociales un inesperado vídeo donde presenta a Slade Wilson, alias Deathstroke, un villano del universo DC que todavía no ha tenido su oportunidad en la gran pantalla. Las reacciones increíblemente positivas...

Como puedes ver, Affleck sólo subió la grabación, no aclaró nada, dando pie a toda clase de especulaciones y rumores. ¿De qué proyecto se trata? ¿Qué actor se esconde tras la máscara? En un primer momento se pensó que podía ser otro teaser de 'Justice League', actualmente en rodaje, pero TheWrap revela en exclusiva que Deathstroke será el villano principal de la nueva película de Batman que el actor y director tiene entre manos, aún sin fecha de estreno. Desde luego parece la opción más probable.

Deathstroke versus Batman en los cómics

Deathstroke, también conocido como "Deathstroke el Terminator", es un asesino y mercenario creado por Marv Wolfman y George Perez cuya primera aparición data de 1980, en las viñetas de 'The New Teen Titans'. Es uno de los antagonistas más populares del sello DC y se ha enfrentado al Caballero Oscuro en numerosas ocasiones, tanto en cómics como en videojuegos.

Manu Bennett le ha encarnado recientemente en la serie de televisión 'Arrow'. Se rumoreaba que el personaje estaría en 'Escuadrón suicida' ('Suicide Squad') pero quizá Warner lo reservó a petición de Affleck. De momento no se sabe quién va a interpretarlo, la aparición del vídeo no significa que hayan fichado a alguien —probablemente es una prueba de vestuario—, si bien ya circula el nombre de Matt Damon pues además de ser el mejor amigo del cineasta comentó que le encantaría trabajar junto a él en el universo de DC. ¿Qué opinas, te parece un buen candidato?



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CRITICAS
Añorando estrenos: 'En busca de Bobby Fischer' de Steven Zaillian

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1993 fue un año glorioso para el escritor y director Steven Zaillian. Autor del guión de ‘La lista de Schindler’ (‘Schindler’s List’, Steven Spielberg), por la cual ganó un merecido Oscar, debutaba también tras las cámaras con la presente ‘En busca de Bobby Fischer’ (‘Searching for Bobby Fischer’), film que he creído conveniente rescatar debido al reciente estreno en nuestras carteleras de ‘El caso Fischer’ (‘Pawn Sacrifice’, Edward Zwick, 2014), un biopic sobre el genio Fischer, tan interesante como tópico y olvidable.

La ópera prima de Zaillian también es un biopic, en concreto sobre Josh Waitzkin, cuyo padre escribió el libro que adapta el film. ‘En busca de Bobby Fischer’ no estuvo exenta de polémica, sobre todo cuando el mismísimo Fischer declaró que jamás vería la película porque era producto de una “conspiración judía” y le parecía una intromisión en su intimidad, sobre todo por haber utilizado su nombre en el título con fines comerciales. Locura y razón mezcladas en la mente del que fue un genio absoluto, uno de los seres humanos más inteligentes que la historia ha tenido.

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Los inconvenientes de ser un genio

Dejando a un lado la opinión del propio Fischer —un genio que basó su juego en ser altamente agresivo, llegando a inventar aperturas hasta ese momento desconocidas—, el trabajo de Zaillian posee un esquema narrativo muy familiar, quizá demasiado. Padres descubren que su hijo de corta edad es un genio del ajedrez, juego que ha aprendido a jugar simplemente observando a jugadores callejeros; le asignan el mejor profesor posible con la finalidad de participar en un importante campeonato, mientras lidia con problemas personales.

Resulta muy curioso que el personaje central —a cargo de un muy natural Max Pomeranc, actor poco prolífico y que de aquella era un gran aficionado al ajedrez— sea, hasta el momento de conocer el ajedrez, un niño normal y corriente, sin problemas aparentes. Es a partir del juego del tablero, también de sus habilidades para el mismo, cuando los verdaderos problemas —intentar ser el mejor a ojos de los demás, no decepcionar a su padre, el odio el rival, etc— aparecen. ‘En busca de Bobby Fischer’ narra un viaje repentino hacia la madurez, con advertencia incluida.

Una advertencia que puede notarse en la nada sutil comparación entre el protagonista y la figura de Bobby Fischer. El precio de llegar a ser un genio en algo, único, conlleva el ser prácticamente un incomprendido, e incluso la locura puede acabar llamando a tu puerta. La película soluciona, en parte, dicha advertencia convirtiendo al joven prodigio en una persona noble y honesta. ¿Cuántos jugadores de ajedrez ofrecerían a su rival la oportunidad de un empate ante una segura derrota?

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Emoción sobre un tablero

En realidad, ¿cuántos competidores, jugadores, en cualquier deporte, ofrecerían a su rival la posibilidad de empate y compartir el trofeo? Ese es el mensaje de ‘En busca de Bobby Fischer’, que la competitividad por ser el mejor puede llegar a compartirse, evitando sí envidias malsanas a tan temprana edad, cuando un ser humano es más manejable. Tal vez una utopía, pero que en manos de Zaillian logra ser efectiva, creíble, además de estar realizada con mucha pasión y un gran amor por el ajedrez, sobre todo a la hora de compararlo con la vida en general. Fischer juega tal y como es en el resto de cosas.

El escritor y director no puede evitar ciertas imágenes a veces algo tendenciosas. Por ejemplo, ese más que tópico enfrentamiento entre entrenadores/adultos —preámbulo del duelo final entre los jugadores/niños— que culmina con Ben Kingsley —el mismo año que trabajaba a las órdenes de Spielberg en el film citado al inicio— y Pomeranc encuadrados desde abajo, ensalzando sus figuras, mientras el profesor le abre una lata de Coca-Cola, uno de los símbolos por excelencia de la cultura estadounidense.

Dejando a un lado ese tipo de escenas, que responden a esa extraña necesidad de demostrar la superioridad moral con respecto a los demás —algo muy marcado en la sociedad yanqui—, lo cierto es que su director logra un film emocionante e inspirador, una oda al juego de los juegos, en el que se necesita algo más que cerebro para marcar la diferencia. Un viaje hacia la madurez, una aventura sin parangón sobre un tablero lleno de piezas, y en el que el uso de la imaginación es vital.

Todo ello musicalizado por James Horner en su mejor etapa.



'Heidi', una grata sorpresa

Cartel Heidi

Muchas veces acusamos a Hollywood de abusar en exceso de la nostalgia para conseguir jugosos beneficios, pero lo cierto es que se trata de una práctica muy extendida que va mucho más allá de lo que se haga en la meca del cine. Por desgracia, no pocas veces acaba siendo la base de productos vacíos que nos dejan con la sensación de que lo mejor sería haber visto la obra original en lugar de perder el tiempo con su último sucedáneo.

Lo peor de todo es cuando no se trata de un sucedáneo, sino de una nueva versión de la misma historia que ya conocemos a la perfección. Mi instinto me decía que el caso de ‘Heidi’ iba a ser uno de ellos, ya que la simple idea de contar esa historia en imagen real y en la actualidad invitaba al escepticismo, pero luego acabé encontrándome una grata sorpresa. No es que sea una gran película, pero sí una bastante estimable teniendo en cuenta las armas a su disposición.

Una visión más ligera y fluida

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Estrenada con gran éxito en Alemania a finales del año pasado -fue el siguiente gran éxito del cine local tras el bombazo que fue el algo decepcionante regreso de Hitler-, en España hemos tenido que esperar hasta este pasado 26 de agosto para poder verla. Sobre el papel, ‘Heidi’ tiene un problema similar para triunfar en nuestro país al de la muy recomendable ‘Peter y el dragón’ (‘Pete’s Dragon’), es decir, que los tiempos han cambiado y esa inocencia característica de ‘Heidi’ le resta cierto interés para la mayoría del público.

De hecho, no me cuesta confesar que eso era justo lo que me sucedía a mí, pues ya en su momento nunca fui un gran seguidor del aclamado anime de 1974 dirigido por Isao Takahata y tampoco del propio relato de Heidi creado en 1880 por Johanna Spyri, pero el guion de Petra Biondina Volpe para esta nueva versión en imagen real convierte lo que normalmente sería un defecto en una virtud: todo va sucediendo con tanta agilidad que nunca resulta pesada o cae en excesos de bondad innecesarios.

Es innegable que eso da pie a que ‘Heidi’ se caracterice por una cierta superficialidad al tener que comprimir toda la historia en poco más de 100 minutos, pero Volpe se las arregla para eso se convierta en algo agradable. El motivo de ello es que lo realiza de forma consistente y no intenta más entidad a algunos hechos en detrimento de otros. El lema parece ser que todo fluya, dando las explicaciones justas, en parte porque da por sentado que ya conoces la historia, pero también porque se entiende perfectamente tal y como aparece presentado.

’Heidi’ merece la pena

Heidi Clara

Lo que da auténtico color a la película es el hecho de haberse rodado en escenarios naturales, los cuales logran esa belleza bucólica asociada a ‘Heidi’, pero también elevan el acabado visual a otro nivel -aunque sin llegar al impresionante nivel de cierta magnífica película estrenada el pasado viernes-. Ahí es cierto que el director Alain Gsnoper tenía que hacerlo bastante mal para que los paisajes no lucieran impresionantes, pero también había que saber matizar esa calidez que transmiten para encajarla dentro de la historia en lugar de dejarse llevar sin más.

El otro aspecto clave para que ‘Heidi’ no despierte nuestra incredulidad es lo bien escogido que está su reparto, con especial atención a la desconocida Anuk Steffen -la elegida de entre más de 500 aspirantes-, quien encaja como un guante en el personaje principal y además sabe cómo hacer que el personaje no pierda su encanto por mucho que aquí adopte una cierta pasividad en la que poco menos que acepta todo lo que va sucediéndole. Ahí sí note un cambio destacable respecto a la imagen que tenía de Heidi.

A su alrededor encontramos a un reparto que también cumple con holgura en sus papeles, en especial Bruno Ganz como el abuelo durante los primeros compases de metraje en los que poco menos que parece un ogro. Luego su transformación, al igual que la del resto de personajes, puede resultar un poco acelerada -no deja de ser una versión resumida en la que hay que mostrar sí o sí ciertos eventos-, pero yo es un peaje que asumo con alegría si a cambio se consigue ese ritmo tan vivo que hace que uno no llegue nunca a aburrirse.

En definitiva, ‘Heidi’ es una entretenida revisión de una historia perfectamente conocida por casi todos. En eso no puede hacer milagros, pero sabe cómo encajar ese tono característico del personaje con un ritmo fluido para que todo resulte agradable. A cambio puede llegar a dar la sensación de ser un grandes éxitos de la historia de ‘Heidi’ en lugar de ella misma en profundidad, pero en este caso no llega a ser una molestia.



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